Estimation d’une oeuvre de Claude Viallat : Guide complet 2026

Qui est Claude Viallat ?

L’artiste à ses débuts

Claude Viallat est né en 1936 à Nîmes et passe son enfance à Aubais, une commune rurale du département du Gard. En 1957, il débute sa formation à l’école des Beaux-Arts de Montpellier, où il rencontre Daniel Dezeuze (1942-), André Pierre Arnal (1939-2024), Vincent Bioulès (1938-), Toni Grand (1935-2005) et Jean Azémard (1938-1998). Ses premières œuvres sont alors des portraits de ses proches, mais aussi des paysages du Gard, des représentations de taureaux ou des natures mortes au style académique. 

La découverte de l’art abstrait américain

En 1962, Viallat intègre l’école des Beaux-Arts de Paris, dans l’atelier de Raymond Legueult (1898-1971) et y côtoie Pierre Buraglio (1939-), Michel Parmentier (1938-2000) et Joël Kermarrec (1939-2022). Il tente le prix de Rome, sans succès. En parallèle, il arpente les galeries de la capitale et y découvre la peinture américaine, notamment celle de Robert Rauschenberg, de Kenneth Noland (1924-2010) et de Morris Louis (1912-1962). Suivant leur exemple, il s’intéresse à partir de 1963 à la peinture abstraite engageant le corps.

Emulations

En 1964, Viallat s’installe à Nice, où il enseigne à l’école des arts décoratifs. Il fréquente les artistes Ben Vautier dit Ben, en lien avec le non-mouvement Fluxus et ses questionnement sur les nouveaux statuts de l’artiste et de l’art, Bernar Venet et Claude Gilli, de l’Ecole de Nice, à la frontière entre plusieurs mouvements, ou encore les Nouveaux Réalistes, opposés à l’art abstrait. 

En quête d’un style inédit

Mais en 1966, il s’aperçoit lors d’une visite de l’exposition Vingt ans d’art contemporain à la fondation Maeght, que sa peinture est déjà faite par d’autres. Il entre alors dans une phase d’expérimentations, dans le but de trouver une forme d’art à lui. Il se souvient à ce moment-là de plusieurs pratiques traditionnelles de sa région d’origine, comme cette habitude méditerranéenne qui consiste à tremper une éponge dans de la chaux bleue pour décorer les cuisines, ou comme le rituel camarguais des ferrades, lors du marquage des jeunes taureaux, ou encore à l’instar de la coutume des « empègues », ces pochoirs dont les motifs ornent les pourtours des portes des maisons. Il s’empare alors de ces pratiques ancestrales pour en faire une piste de réflexion de sa peinture contemporaine.

Les empreintes

Suivant cette voie, il expérimente plusieurs techniques. C’est toutefois l’accident qui lui apporte l’idée de base de son futur concept artistique : au cours de ses recherches, après avoir utilisé une éponge trempée dans la peinture comme tampon, Viallat, ne parvenant pas à la nettoyer, la laisse baigner dans de l’eau de javel et la retrouve en partie délitée. Il a alors l’idée d’utiliser la forme obtenue par le hasard de la désagrégation de la matière : « la forme en soi n’était pas représentative, elle n’était ni décorative, ni vraiment géométrique, ni figurative, ni symbolique. Elle n’avait pas beaucoup de qualités… donc c’est essentiellement pour ça que je l’ai élue », témoigne l’artiste (Livret de visite de l’exposition Viallat : une rétrospective, musée Fabre, 28 juin - 2 novembre 2014). 

Cette forme est ensuite appliquée comme une empreinte, de façon répétée, dans une gamme chromatique ne comprenant que des couleurs primaires, sur différents supports dits « toiles libres ». Il peut s’agir d’un morceau de tente comme d’une taie d’oreiller, pourvu d’éviter la trop attendue toile sur châssis prisonnière de son cadre. La création terminée n’a cependant pas de sens en elle-même pour l’artiste : « Une toile - pièce - seule n’est rien, c’est le processus - système - qui est important » (Pierre Wat, Claude Viallat : œuvres, écrits, entretiens, 2006, p. 129).

Supports/Surfaces

En 1970, Viallat participe à l’exposition fondatrice du mouvement Supports/Surfaces au musée d’Art moderne de la Ville de Paris. Composé d’artistes essentiellement originaires du Sud de la France, comme Dezeuze ou Patrick Saytour (1935-2023), ce groupe cherche à déconstruire la pratique traditionnelle de la peinture et à diriger l’attention sur l'œuvre en tant qu’objet. Il expose souvent ses créations en plein air, en acceptant les dégradations opérées par le temps et dues au hasard, et le fait que l’artiste perde le contrôle de son œuvre. 

Mais Viallat quitte le groupe, marqué par des désaccords théoriques, dès 1971, et poursuit seul ses recherches, en testant notamment de nouveaux colorants comme le bleu de méthylène. En 1972, un voyage aux Etats-Unis lui fait découvrir l’art de Jackson Pollock (1912-1956) et celui des Indiens d’Amérique. En France, il visite la grotte préhistorique de Gargas qui lui inspire des œuvres basées sur des empreintes de mains. De plus en plus intéressé par la matière en tant que telle, il mène également des expériences avec des cordes et des filets.

Enseignement, galeries et expositions

En complément de son activité artistique, Viallat enseigne. En 1967, il est professeur aux Beaux-Arts de Limoges, avant de rejoindre ceux de Luminy, à Marseille, en 1973. En 1979, il est nommé directeur de l’école des Beaux-Arts de Nîmes et devient dans le même temps président du club taurin de son village d’origine, Aubais, et invite cette passion dans son art. Enfin, en 1991, il devient professeur à l'École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris, avant de prendre sa retraite neuf ans plus tard. 

L’artiste côtoie également de nombreux galeristes. En 1966, la galerie A, de Nice, organise la première exposition entièrement dédiée à Viallat. Deux ans plus tard, il rencontre Jean Fournier à Paris, qui devient son galeriste attitré. Sa première exposition personnelle dans une institution muséale à lieu en 1974 au musée d’Art et d’Industrie de Saint-Etienne. A partir du début des années 1970, ses œuvres sont présentées à l’international, comme à New-York, Milan, Rome, Mexico, Bruxelles, Düsseldorf, Barcelone, Tokyo, Séoul, Rabat, Vienne, Tel-Aviv ou encore Tampere, en Finlande. En 1988, Viallat représente la France à la Biennale de Venise. Il expose également dans de nombreux lieux de l'hexagone : Rennes, Marseilles, Paris, Vence, Alès, Céret, Toulouse, Perpignan, Biarritz…

Architecture et décoration

A partir de la fin des années 1980, Viallat s’intéresse à la décoration de bâtiments. Il réalise un projet de vitraux pour la cathédrale de Nevers, une colonne pour la décoration d’un fast-food à Nîmes, et des caissons pour le plafond du porche du conservatoire de musique d’Annecy. En 1991, il reçoit une commande publique destinée au château de Chambord, puis une autre en 1997 pour la Bibliothèque François Mitterrand à Paris.

Epilogue

Âgé de quatre-vingt dix ans, Claude Viallat continue d’exercer son art dans son atelier nîmois, et d’être représenté dans de nombreuses galeries en France. Ses œuvres ont intégré les collections de plusieurs institutions publiques comme le musée d’Art moderne et contemporain de la Ville de Paris, le musée Ziem de Martigues, et le Carré d’art - musée d’art contemporain de Nîmes, où une exposition lui a été dédiée en 2023-2024.

Claude Viallat, Sans titre, acrylique sur fragment de moquette aiguilleté, vendue le 2 août 2020 à Cannes.

Photo : Maison de vente Cannes Enchères.

Quels critères influencent la valeur d’une œuvre ? 

Les critères qui influencent la valeur d'une oeuvre sont les suivantes :

• La technique : les œuvres uniques sont davantage valorisées sur le marché de l’art que les multiples comme les sérigraphies par exemple.
• L’état de conservation : les créations de Claude Viallat étant parfois réalisées sur des supports dont la conservation peut s’avérer plus complexe que sur une toile classique, l’état général de l'œuvre mise en vente représente un critère déterminant dans le cadre d’une estimation. 
• La taille : les réalisations de grandes dimensions obtiennent des prix plus élevés en ventes publiques.
• La signature : la présence de l’étiquette de l’atelier ou d’une des galeries attitrées de l’artiste donne davantage de valeur à l'œuvre.

Claude Viallat, Cul de fauteuil, acrylique sur tissu d'ameublement, vendue le 26 octobre 2024 à Paris.

Photo : Maison de vente FauveParis.

Quels sont les thèmes et techniques de Claude Viallat ? 

Peintures sur bâches

Membre fondateur du mouvement Supports/Surfaces, Claude Viallat s’est beaucoup intéressé aux matières à utiliser comme base de sa peinture. Il a notamment expérimenté l’acrylique sur différents types de bâches ou objets assimilés (objets militaires, toiles de tentes, de parapluies, ou de parasols, voiles de bâteaux…). La forme de l’artefact originel est souvent conservée.

Claude Viallat, Sans titre, acrylique sur bâche militaire, vendue le 26 novembre 2024 à Paris.

Photo : Maison de vente Tajan, Paris.

Peintures sur toiles libres

Le matériau textile a également beaucoup inspiré l’artiste, qui a pris comme support des objets aussi variés que des assemblages de tissus, des taies d’oreillers, des tissus d’ameublement comme des assises de fauteuils ou des fragments de moquette. Comme dans le cas des bâches, Viallat ne retravaille pas nécessairement la forme de son support, où se lit parfois encore son usage primitif.

Claude Viallat, 414, acrylique sur taies d'oreillers, vendues le 26 avril 2025 à Lille.

Photo : Maison de vente Mercier Art, Lille.

Filets

Avec ses filets, Claude Viallat interroge aussi le vide dans l’art. Il les peint pour imprimer leur silhouette sur un tissu ou s’en sert directement comme support. Il s’intéresse tout particulièrement à cet objet dès les années 1970, de même qu’aux cordes par exemple, qu’il noue, agrémente de morceaux de bois flotté et trempe dans la couleur.

Claude Viallat, Composition sur filet, acrylique sur vlieseline et filet, vendue le 11 juin 2021 à Nîmes.

Photo : Hôtel des ventes de Nîmes.

Cercles

Les cercles de Viallat sont conçus à partir d’un objet de récupération, qui n’est autre qu’un cerclage de barrique. Ces œuvres ont été imaginées par l’artiste dans les années 1970, période à laquelle il utilise souvent des éléments collectés au fil du temps.

Claude Viallat, Sans titre, acrylique sur tissu dans un cerceau de barrique, vendue le 25 juin 2025 à Paris.

Photo : Maison de vente Aguttes, Paris.

Monotypes

Le monotype est une technique d’impression sans gravure qui produit des œuvres uniques. Le dessin à la peinture ou à l’encre est réalisé sur une surface lisse, comme du verre ou du plexiglas, qui est ensuite appliquée sur un support. Cette technique, utilisée depuis le XVIIe siècle, prisée des peintres comme Edgar Degas ou Paul Gauguin, inspire aussi les artistes du XXe siècle comme Viallat.

Claude Viallat, Composition, monotype en couleurs issu du portfolio Art pour la paix des éditions ArtToArts, vendu le 21 mars 2026 en Avignon.

Photo : Hôtel des ventes d’Avignon.